BRUT Patrick Dunford, Benjamin King, Justin Stephens,

Monumental 10 septembre-15 octobre

Jessica Auer, Jack Pierson, Sylvie Readman, Andreas Rutkauskas, Thomas Kneubühler


Jessica Auer 2009 Washington Monument














Jack Pierson 'Blood' 2000 Courtoisie de l'artiste et Cheim & Read, New-York














Sylvie Readman 'Implosion' 2006
111,8 x 142 cm










Andreas Rutkauskas 2008 N 512 0876 W 116 20499








Thomas Kneubühler 2009 Mount-Sukiyaki

Été Été 2009

Yves Tessier 'Nude' 2003 graphite sur papier 5.5" x 7.5"









Emilio Chapela-Perez '13' vue installation

Thomas Kneubühler (& Geoffrey Jones & Steve Bates) 'Electric Mountains' vues d'installation

Andreas Rutkauskas' 'New Calgary'

Épreuve chromogène numérique, 100x127cm 2005 édition 1/5

Thomas Kneubühler 'Office 2000' #10

Digital C-print 200 x 100cm, 2008 edition of 5
Épreuve Chromogène numérique 200 x 100cm, 2008 édition de 5.

RON TERADA's : Untitled (Ad Painting: Carl Ostendarp), 1993

Acrylique sur toile de lin, Acrylic on linen 24" x 24"

Courtoisie de l'artiste et Catriona Jeffries Gallery, Vancouver

TIAF 2008

(gauche/left) Thomas Kneubühler de la série/ from the series: 'Office #10' 2008, (à droite/to the right: 'Sans-titre/Untitled' de la série/from the 2007 series 'After Dark' series, à droite/ right Yves Tessier's 'Recent Situations', au plancher/on the floor: Louis Joncas 'Untitled/sans titre' 2005-08 de la série/from the series 'Detritus', Georg Muhleck 'Topo choreography' 2004/08 Emilio Chapela Perez: 'David Cronenberg' et/and 'Neil Young' 2008. sous plexi/under plexi: 2007'Untitled/Sans-titre' sculpture de/by Claude Simard,(mouches, cheveux, bois et pierres sur bouchons de métal) (flies,hair,wood,stones on a bottle cap ring.

Emilio Chapela Perez '3725 km'

'David Cronenberg' 2008 laser print on archival paper
'Andy Warhol' 2008 laser print on archival paper


All the pieces presented in 3,725 Km are works that deal with “loosing control”: they are abstractions generated by the imposition of the particular characteristics inherent to the subject matter. The result is a group of images that silently reveal different aspects of the subjects portrayed, and of a culture’s pre-established social, geographic and economical relationships.
The several portraits included in the show, as well as the research, were created using images found commonly on the Internet. But they were also generated from a geographical and cultural distance: The images try to speak about Montreal from the perspective of an outsider; they are a failed attempt to grasp the cultural life of Montrealears made by an artist researching at 3,725 Km away. But it is precisely the distance between Mexico City and Montreal what makes the use of stereotypes, coincidences and misconceptions meaningful to the show.

'Directions' 3 septembre au 4 octobre 2008

À gauche/To the left: Katrin Herzner 'Amerika' Droite/to the right: Melody Young 'The Wrappings'





Clément Plaisir 'Bulles' encre sur papier 2008 tiré du livre 'Agent d'Art'



Clément Plaisir 'L'artiste dans son atelier' encre sur papier tiré de 'Agent d'Art' 2008

Carl Ostendarp, Peter Schuyff, Yves Tessier jusqu'au 26 juillet 2008

Yves Tessier 'Bungalow' 2008 caséine sur bois 6 1/3 x 10.5"








Peter Schuyff 2006 gouache sur papier 9.7"x 13.7"










Carl Ostendarp 1999 gouache sur papier 14"x20"

Lewis Stein 'Fire light' series #8, #9+#10

'Fire light #8'


'Fire light' #9


'Fire light #10'









2008, épreuve couleur montée face sur plexi 34" x 68" (1/6)
2008, c-print face mounted on plexi 34"x68" (1/6)

Interview avec Lawrence Beck

Interview with Lawrence Beck by Jessica Begault
30th of November 2007

J.B.In May, The Economist reported that after this year, for the first time in our history, the majority of humanity will live in cities. Coming from New York City the quintessential urban environment, what bearing if any does it have on your rural landscape work?


L.B: It is true that I come from the urban environment of New York City and have lived here most of my life. I have spent nearly every summer in the Italian Alps. This has conditioned my appreciation of nature and at the same time created a sort of duality which is always present in my work. New York symbolizes man - Italy (mostly the rugged nature of the Alps) symbolizes nature.

J.B. The different subject matters in your photographs, that is, the botanical gardens, the thickets or Monte Rosa, all share a common theme. What is your relationship/fascination with nature?


L.B: Having passed my summer months in the Italian Alps, nature is above you, under you and to both sides. Playing in the torrents, or climbing mountains and studying the visual around me, ingrained an admiration for the order in nature, structure, subtlety, and complexions found everywhere you look.


J.B. The time of the "unspoiled" wilderness is largely past. The landscape today resonates as much with the ambiguities and contradictions of the late 20th century as with the romanticized works of such 19th-century painters as Caspar David Friedrich and John Frederick Kensett.

Today, are we still allowed to appreciate landscape photography for its element of beauty? Is it possible? Or are we directly confronted with what we know, e.g. the impurities of pollution, industrialised agriculture, global warming? Doesn’t the illusion of the beautiful romantique landscape disappear as soon as the subject matter is put back into its context of today’s corrupted, contaminated nature? For instance, the cow of today is no longer just a cow, it brings with it questions such as: does it have mad cow disease? Is it organic?

L.B: I strongly believe that an appreciation for beauty found in nature is still possible. It is certainly something that I strive for. It may be more difficult with all of the interference imposed by the media and the problems we are confronted with. For instance, the size of the glacier on the Monte Rosa is approximately half what it was when I was a kid. This is an alarming fact, but doesn't change how I view the immense beauty of this place I know so well.

L.B: What is of paramount interest in Modern Art for me is the fact that many interpretations can be given to a particular work. All of these view points can be validated, and ultimately it is preferable for there to be many of these so called evaluations. In my case, the cow is the man made element is the photographs. The domestication of cow has rendered them in the same way as a dog, animals designed for specific practical purposes. We are adapting nature to the needs of man, hopefully taking into account the innate importance of nature in our own make-up, and not allowing us to devastate the earth completely and remember that everything comes from the earth.



J.B. Do you feel that in your work we can appreciate a visual reconciliation between the harsh realities of contemporary life and the aesthetic traditions of the genre?


L.B: It seems appropriate to say that even though nature is no longer viewed with the fascination that it once held in the minds of artists, it continues to amaze and call us back. Mostly, nature in any form, be it cultivated in the botanical garden, or wild at 2,600 meters, remains one of the most spiritual loaded sources of inspiration and must retain a high degree of reverence from all people, urban included.

As published in the Montreal Mirror, thursday january 25 2008. Article paru dans le Montreal Mirror le jeudi 25 janvier 2008.


Beauty in decline
I thought of Ansel Adams when I first saw Lawrence Beck’s black and white photographs at Projex-Mtl (372 Ste-Catherine W. #212). There is a timeless quality to these shots of nature that makes one unsure of when they were taken.
Beck, a lifelong New Yorker, spends most of his summers in the Italian Alps. This he credits with developing his love of the natural environment. The texture of water, leaves, rocks and trees that he is able to capture in his photographs is nothing short of impressive.
Three series of images are on view in the current exhibition: one focuses on waterfalls, another overgrown thickets and the most recent on the Monte Rosa mountain range in Italy. The latter shows cows grazing in front of a glacier at an altitude of 2600 meters.
These images seem to represent an archetypal vision of an unchanging world, yet according to Beck the glacier is half the size it was when he was a child. Beck’s work stops the decline, preserving these moments of beauty and grandeur before they slip away through our fingers. Until Feb. 2, info: (514) 570-9130 or www.projex-mtl.com.
by CHRISTINE REDFERN

Thérèse Dion 1937-2007

Avec beaucoup de tristesse nous désirons souligner la disparition récente de Thérèse Dion, importante galeriste et personalité du monde de l'art Montréalais. Thérèse a vraiment laissé une marque indélébile dans le milieu de l'art ici à Montréal, mais aussi au-delà de ses frontières. Tous ceux qui l'ont connue éprouvent certainement le même vide. Montréal ne sera malheureusement plus le même endroit sans elle. Même si elle combattait une lutte contre la maladie qu'elle ne pouvait gagner, elle a quand même tenue que sa galerie participe à la dernière édition de la Toronto International Art Fair, fin octobre 2007. Elle espérait même participer à la Foire de Dubaï également cet automne. Deux des artistes qui avaient récemment exposées à sa galerie, Josée Pednault et Jessica Auer ainsi que son assistante Saada El-Akhrass ont vaillament et solidairement su représenter quand même la galerie lors de ces moments difficiles! Jusqu'à la toute fin Thérèse poursuivait ses efforts pour que l'art puisse avancer et prendre un peu plus d'espace dans nos vies. Adieu Thérèse et merci pour toute l'inspiration que tu a sue nous communiquer. Nous ne t'oublierons certainement pas de sitôt! À toute sa famille, ses amis et les artistes qui manqueront certainement son unique énergie et enthousiame, nos sincères condoléances. Un communiqué est disponible sur le site web de sa galerie: http://www.theresedion.com/
It is with great sadness that we wish to pay our respect to a really fantastic person that touched the lives of so many people and inspired so many, here in Montréal but also in many other places in the world. Even if she was fighting with a serious disease, she remained active practically to the end of her life,participating to the 2007 edition Toronto International Art Fair last october. Josée Pednault, Jessica Auer two artists that had recently exhibited at her gallery along with her assistant Saada El-Akhrass, solidarily organized and presented Thérèse's important booth at the Fair! Thérèse was even considering a participation of her gallery at the Dubaï Art Fair,also in the fall of 2007! To the end, she fought to give art a little more importance in our lives. To all her family and friends to all the artists that will miss her colorful presence and unique energy we wish to extend our condoleances. Montreal will not be the same without her. More information about Thérèse Dion can be seen on the website of her gallery : http://www.theresedion.com/

'Portraits Volés et autres portraits' nichola feldman-kiss,Gilles Gheerbrant,Louis Joncas, Michiko Kameda, Louis Lussier 26 septembre-3 novembre

Lewis Stein 'Stolen portrait #28' Photographie couleur 15"x15"


Michiko Kameda 'Hommage au Greco'Portrait d'un homme de Rembrant, Metropolitan Museum of Art, New York
Interprétation A1
24''x40''
Épreuve couleur tirée d'un négatif N/B
Interprétation A comporte 7 variations

Louis Lussier 'Sornettes et demi-vérités' 1998 Épreuve argentique édition 1/3



'In modern societies founded on the creed of private property, stealing is a deplorable, punishable offense. In other societies, certain kinds of stealing are condoned but actually encouraged, even eulogized. Lewis Stein's offense clearly belongs to the second category. The ancient Chinese have a name for him: "The elegant thief.' In snatching something away he imparts new meanings and possibilities onto them, making them richer, more intriguing and more poetic.
"Stolen portraits" are born at the intersection of deliberate posing and happenstance. Impressed by the frequency and fanfare with which tourists in China propped themselves in front of a famous or not-so-famous site, Lewis Stein would sneak up to the photographer as closely as possible with his own point-and-shoot camera. He has thus captured the famously theatrical Chinese in formal, exaggerated poses but slightly off-guard. Against the backdrop of a misty lake, the left index finger of a young woman in a pink raincoat still rests poetically on the carved stone post on a bridge, but her eyes have already drifted away.

Mostly taken (stolen) in 1993, followed by a handful in the late 1990s and early 2000s, these portraits document the first wave of domestic tourism in post-Mao China, as the nascent middle class started to take their leisure onto the road. As such "Stolen Portraits" are portraits of an entire nation caught in an instant of in-betweenness. The old kingdom, waking up, still coiled stubbornly around the pillar in the forbidden palace like a tired dragon, but many people have begun to look away, dreaming other dreams.

Tribal peoples cursed and ducked upon their first encounters with the camera, afraid that the mysterious box would steal their souls. May we all see the world as these visionaries. Unlike us jaded, hyper-rational westerners, they saw cameras as they really are machines pregnant with potent magic and fantasy; vehicles of alchemic transformation from solid matter to image and spirit.

No, Lewis Stein did not steal the Chinese’s souls, but in stealing a snapshot or two(O.K., one hundred) he has left behind a bit of himself in the faraway land. In seeing the Chinese as they saw themselves, albeit a bit off-kilter and off-centered, he has given his eyesight and insights to them as an eternal gift. In this playful economy, when an elegant thief steals everybody benefits. This is a world in which all of us—takers and givers, Westerners and Easterners--can live happily together.'
Dorothy Ko
Barnard College, Columbia University, New-York

Dans les sociétés contemporaines fondées sur la propriété privée, voler est un acte déplorable, une offense punissable par la loi. Dans certaines sociétés, certains vols sont condamnés mais aussi tolérés et même encouragés. L'offense de Lewis Stein appartient clairement à la deuxième catégorie. Les Chinois de l'antiquité ont même un nom pour lui: 'le voleur élégant'. En 'volant' ces portraits, il infuse de nouvelles perspectives et possibilités,les rendants plus intriguants et plus poétiques.Saisis (volés) pour la plupart en 1993 puis à la fin des années 1990 et au début de l’an 2000, ces portraits documentent la première vague de tourisme domestique de la Chine post-Mao, alors que la classe moyenne commence à utiliser son temps de loisir vers la route des vacances touristiques.
Les ‘Portraits Volés’ sont aussi des portraits d’une nation vivant une période unique de son histoire, prises entre deux moments historiques. La vielle garde (le vieux royaume) est toujours présente, toujours obstinément entourée des piliers de la cité interdite tels des dragons fatigués, alors que plusieurs ont déjà commencés à regarder ailleurs afin de rêver d’autres rêves.
Les peuples tribaux avec leurs premières rencontres avec la caméra, effrayés que la boîte mystérieuse ne leur volent leurs âmes. Si nous pouvions voir le monde tels que ces visionnaires.. Contrairement à notre confort douillet d’occidentaux, hyper rationnels, ils voyaient ces caméras telles qu’elles sont vraiment, des machines capables de magie et de fantaisie, de véritables véhicules de transformations alchimiques traduisant la matière solide en image et esprit.
Non, Lewis Stein n’a pas volé l’âme chinoise mais en volant un cliché ou deux (d’accord plutôt une quarantaine..) il a laissé derrière lui un peu de lui-même. En voyant les Chinois comme ils se voient eux-mêmes, il a laissé sa vision et ses impressions à ce peuple comme un cadeau éternel. Dans cette économie joyeuse, quand un voleur élégant s’exerce, tous en profitent. C’est un monde dans lequel chacun de nous (preneurs et donneurs) occidentaux et orientaux, pouvons vivre ensembles, joyeusement.
Dorothy Ko
Barnard College, Université Columbia , New-York

'Conceptions Generated/Conceptions Générées' 23 Août-23 Septembre 2007 Yoshiyuki Abe, Daniel Jackson, Manfred Mohr, Georg Muhleck

'Sei-1 + Sei-2'






Cellular growth is generated on the basis of mathematical rules (algorithms); self-reproduction and changes in cell state takes place. In December 1992, I experimented for the first time with the simulation of a cellular automaton. Ever since, the 'cells' have occupied a firm place in my brain and an unsettled one in my mind.[1] "Altered attractors", "generating" and "blueprint" zooms into the universe of the brain and mind.

There is no objective path to memory or truth. It all depends on many internal and external influences in the body and its sensory system. The mind can be altered through the 'inner pharmacy' of our bodies. Transmitter substances exist naturally in our nervous system. They are amongst other things responsible for our state of mind. Transmitter action can be triggered from within the body and from outside stimulants. Tea [2] stands here for just one possible means of external alteration of our 'inner pharmacy'.

The leaves are performance relics, recycled from the ceremony of brewing tea. Not only am I using the substance of it in my own body, but also the very leaves for the creation of works of art. They are dried and collected until needed for production. Many kilos of these are scanned for shape and function, a pretty meditative style of work. The selected ones often look like characters, perhaps performers expressing something. They are placed to communicate with one another. After they altered my brain's performance, they become 'performers' themselves and this time I am controlling them.

Three years ago, Australian scientists have discovered a way to track the electronic footpath of a single thought travelling through the human brain, in real time, using functional MRI [3]. My tea leaves could be neurons with invisible dendrites, axons and synapses - just imagine these and you have a neural network. The work of art becomes a still or a map of an ongoing process of something - perhaps of the microcosm of constructing thought. The leaves suggest patterns of activity for the magic time machine called memory. While you look at the work, your brain gets triggered and your fantasy interacts with the composition.

Software is a dead substance. Bringing machine generated forms to something that can be read and understood in terms of real life and emotion means: giving life to an automaton, the Frankenstein of algorithms; zoomed into the Nothingness of bits and formula, still powerful enough to trigger one's fantasy towards the 'real'. Internal and external worlds are interdependent.

(Georg Mühleck, August 2007)



[1] The search was started by the mathematician John von Neumann in 1963. He was looking for a self-reproducing pattern of cells.

[2] Tea contains caffeine, which activates the hormone Adrenalin, a neurotransmitter influencing the brain as well as the vegetative nervous system (Josef Zehentbauer "Körpereigene Drogen", S. 106). It's characteristics are: physically active to aggressive, anti-depressive, happy, euphoric, harmony, phantasy, creative, using up energy, sexually stimulating, loosing body weight (Ibid. S. 64 + 65)

[3] functional MRI:
Functional magnetic resonance imaging can reveal which part of your brain is most active when you're solving a mathematical puzzle, say, or memorizing a list of words. The scanner doesn't actually pick up the pattern of electrical activity in the brain; it just shows where the blood is flowing. (Active neurons demand more oxygen and hence more blood.)



Daniel Jackson 7500 to a point somewhere, Reds No.3 2007
Inkjet with pigmented inks/avec encres pigmentées on archival paper/sur papier archives image size 34'' x 34''/dimension de l'image (86x86cm) 1/1, series of 20, série de 20


Yoshiyuki Abe 'flow 14' 1997
300x300cm sur/on Arches Infinity 230g 11/20




Yoshiyuki Abe 'WP 4118' 2000
300x428cm sur/on Hahnemuehle Photo Rag 188g 11/20


Manfred Mohr 'P1272-556[1]' 2007 (32x32cm) jet d'encre sur papier archives/inkjet on archival paper (prototype unique/unique prototype))


Cette exposition réunit des oeuvres d'artistes travaillant avec l'ordinateur pour s'exprimer. Des oeuvres de Yohiyuki Abe du Japon, Daniel Jackson de Londres, Georg Muehleck de Toronto ainsi que Manfred Mohr de New York y sont présentées.

Our exhibition present works from artists working with computers to express themselves. Works from Yoshiyuki Abe from Tokyo, Daniel Jackson from London, Georg Muehlek from Toronto and Manfred Mohr from New-York are presented.

nichola feldman-kiss+Max Dean 'runaway bunny' to june 17- jusqu'au 17 juin

Review of Christine Redfern published in the Montreal Mirror, thursday september 25

Robot bunny style

Spring is here and love is in the air. Well-respected artists Max Dean and nichola feldman-kiss expose their own amorous relationship in the exhibition Runaway Bunny at Projex-Mtl Galerie (1000 Amherst #103). Dean lives in Toronto and is a pioneer of robotic art. Among the works included in this show is an image of Dean's Robotic Chair—a wooden seat that falls apart and then pulls itself back together, as well as his interactive video, 'I snap'. (Though I'm not sure if we should take this to mean he is apt to "fall apart" and "snap"!)
Feldman-kiss lives in Ottawa, where she has been since 2001 at Canada's National Research Council on her 'mean body database'. This numerical description of her naked body is presented as a 7,662-page book. She turns the data from her body scans into the small figures encountered in a 'crowd of one self' and the very odd composite forms of the 'chimaera set'. This first collaborative exhibition between the two, with its electric chair of digital and analog pieces, creates an intimate dialogue worth eavesdropping on. Exhibition runs until June 17, info: (514) 570-9130
-CHRISTINE REDFERN




'a crowd of one self' (2002-2006) 12 rapid cast bronze sculptures (height 12"x variable dimensions)
12 sculptures moulées de bronze 'rapid cast'(hauteur 12"x dimensions variables)



Vue d'installation/Installation view


Max Dean's 'Glass' and a poem by nichola



the chimaera set expresses the fascination with the disturbing and uncanny aspects of new medical technologies for producing the human body and hybrid life forms. First displayed as a part of the exhibition mean body, the chimaera set are composite figures created from two or more data sets derived from full body scans. Using three-dimensional software processes, nichola feldman-kiss has sought to achieve shapes that have been reduced to the most minimal bodily attributes so that, while recognizable,they have no specific referent. They evoke the body without indicating it literally.
nichola feldman-kiss

La série chimaera exprime la fascination avec les aspects nouveaux des nouvelles technologies médicales de production de la vie humaine et de formes de vies hybrides. Faisant partie de l'exposition 'Mean body', les chimères sont des composites crées à partir de séries de données dérivées de scans du corps. Utilisant un logiciel 3D, nicholas feldman-kiss a cherché à créer des formes qui sont réduites à la plus simple expression afin de ne pas pouvoir les attribuer à une partie spécifique du corps. Ces 'chimères' évoquent le corps sans l'indiquer spécifiquement.
nichola feldmann-kiss

classically bound, (2005-6) is a volume of 7,662 pages listing the numerical data that describes the 203,144 triangles that define the space occupied the body's geometry while posed in the standard erect posture, used for scientific and technical study of the human body. classically bound is a numerically accurate self representation measuring 12.1 MB of x,y, and z coordinate points (x indicating horizontality, y depth and z verticality). The volume is 44cm thick and bound in pigskin matched the skin tone of the artist. The book's front and spine binding panels are embossed with the file directory title: nicholafeldman kiss:\meanbody\classicallybound\120302\23:11.16 classically bound is published by runaway bunny
'classically bound' 2005-06 est un volume de 7,662 pages incluant l'information numérique décrivant les 203,144 triangles qui définit l'espace occupé par le corps de l'artiste alors qu'elle pose dans la position érigée. Cette information est utilisée pour l'étude scientifique et technique du corps humain. classically bound est une représentation numériquement fidèle de l'espace occupé par le corps de l'artiste qui mesure 12.1 MB de coordonnés des points x,y, et z (x indicant l'horizontalité, y la profondeur et z la verticalité). Le volume mesure 44cm (épaisseur) et est relié avec de la peau de cochon qui imite la couleur de la peau de l'artiste. La face du livre présente l'inscription de la source du fichier: nicholafeldman kiss:\meanbody\classicallybound\120302\23:11.16 classically bound est publié par runaway bunny

Rhytmes Urbains : www.voxphoto.com

VOX-info courriel



RYTHMES URBAINS

KINGA ARAYA, GWENAËL BÉLANGER, CLARA GUTSCHE, THOMAS KNEUBÜHLER, DAVID MILLER, ALAIN PAIEMENT, GABOR SZILASI, BILL VAZAN

COMMISSAIRE : CLAUDINE ROGER

Une exposition du Conseil des arts de Montréal en Tournée conçue et réalisée par VOX, de mars 2007 à mars 2008

Ouverture officielle le 25 mars 2007 à 14 h
à la Galerie Stewart Hall, 176, chemin Bord-du-Lac, Pointe-Claire.

La ville fascine. À la fois objet de répulsion et de séduction, elle fut très tôt le thème de prédilection de nombreux artistes et le champ privilégié de diverses expérimentations artistiques. Attentifs au mouvement et au spectacle de la ville au quotidien, ces derniers ont depuis plus d'un siècle su saisir avec une extrême sensibilité des instants fugitifs étroitement liés à la vie urbaine.

Les pratiques réunies dans la présente exposition portent sur différents enjeux de l'espace urbain en traitant, entre autres, de la transformation et de l'évolution de la ville, des strates de son histoire, de son insertion dans le paysage ou encore des diverses façons de l'habiter. Ici le dialogue entre des travaux historiques et contemporains nous permet d'observer différentes approches photographiques de la ville. Ces artistes nous obligent en tant que spectateur et citadin à ralentir et à regarder la ville autrement. Leurs images nous séduisent, nous remettent en question. Elles nous obligent à revoir notre perception de la ville et notre rapport avec elle.

Official opening on March 25, 2007 at 2:00 pm
at the Stewart Hall Art Gallery, 176, chemin Bord-du-Lac, Pointe-Claire.

From March 24 to May 6, 2007

The city fascinates. It repels even as it seduces. Very early on, it became a favoured theme of many artists, and a preferential space for multifarious artistic experimentation. Attentive to the movement and spectacle embodied in the everyday of the city, for more than a century artists have captured, with keen sensitivity, the fleeting moments so closely tied to urban existence.

The practices brought together for this exhibition examine distinct issues at stake in urban spaces by addressing, among other themes, the city's transformation and evolution, its historical strata, its co-existence with the landscape and the various ways of living in it. The dialogue between historical and contemporary works here affords an opportunity to observe a variety of approaches to photographing the city. These artists force us, as spectators and as citizens, to slow down and look at the city differently. Their pictures seduce us-even as they interrogate our own existence-leading us to rethink our perception of the city and indeed our relationship to it.

'Visages' 21 février-1 avril 2007

'Joan' Alex Katz 1986 aquatint on paper

Le Visage.
Emmanuel Lévinas, Éthique et infini. Dialogues avec Philippe Nemo diffusés par France-Culture en février-mars 1981.

Philippe Nemo- Dans Totalité et Infini, vous parlez longuement du visage. C’est là un de vos thèmes
fréquents. En quoi consiste et à quoi sert cette phénoménologie du visage, c’est-à-dire, cette analyse
de ce qui se passe quand je regarde autrui face à face?

Emmanuel Lévinas- Je ne sais si l’on peut parler de « phénoménologie » du visage, puisque la phénoménologie décrit ce ce qui apparaît. De même, je me demande si l’on peut parler d’un regard tourné vers le visage, car le regard est connaissance, perception. Je pense plutôt que l’accès au visage est d’emblée éthique. C’est lorsque vous voyez un nez, des yeux, un front un menton, et que vous
pouvez les décrire, que vous vous tournez vers autrui comme vers un objet. La meilleure manière de rencontrer autrui, c’est de ne pas même remarquer la couleur de ses yeux, on n’est pas en relation sociale avec autrui. La relation avec le visage peut certes être dominée par la perception, mais ce qui est spécifiquement visage, c’est ce qui ne s’y réduit pas.
Il y a d’abord la droiture même du visage, son exposition droite, sans défense. La peau du visage est celle qui reste la plus nue, la plus dénuée. La plus nue, bien que d’une nudité décente. La plus dénuée aussi : il y a dans le visage une pauvreté essentielle; la preuve en est qu’on essaie de masquer cette pauvreté en se
donnant des poses, une contenance. Le visage est exposé, menacé, comme nous invitant à un acte de violence. En même temps, le visage est ce qui nous interdit de tuer.

Philippe Nemo- Les récits de guerre nous disent en
Effet qu’il est difficile de tuer quelqu’un qui vous regarde de face.

Emmanuel Lévinas- Le visage est signification,et digni-fication sans contexte. Je veux dire qu’autrui, dans la rectitude de son visage, n’est pas un personnage dans un contexte. D’ordinaire, on est un « personnage » : on est bonne, vice-président du Conseil d’État, fils d’un tel, tout ce qui est dans le passeport, la manière de se vêtir, de se présenter. En toute signification, au sens habituel du terme, est relative à un tel contexte : le sens de quelque chose tient dans sa relation à autre chose. Ici, au contraire, le visage est sens à lui seul. Toi, c’est toi. En ce sens, on peut dire que le visage n’est pas « vu ». Il est ce qui ne peut devenir un contenu, que votre pensée embrasserait : il est l’incontournable, il vous mène au-delà. C’est en cela que la signification du visage le fait sortir de l’être en tant que corrélatif d’un savoir. Au contraire, la vision est recherche d’une adéquation : elle est ce qui par excellence absorbe l’être. Mais la relation au visage est d’emblée éthique.


'Affected by Nature' Eliza Griffiths 2007 oil on canvas/huile sur canvas

Le visage est ce qu’on ne peut tuer, ou du moins ce dont le sens consiste à dire : « Tu ne tueras point ».
Le meurtre, il est vrai, est un fait banal : on peut tuer autrui; l’exigence éthique n’est pas une nécessité ontologique. L’interdiction de tuer ne rend pas le meurtre impossible, même si l’autorité de l’interdit se maintient dans la mauvaise conscience du mal accompli- malignité du mal. Elle apparaît aussi dans les Écritures, auxquelles l’humanité de l’homme est exposée autant qu’elle est engagée dans le monde. Mais à vrai dire l’apparition, dans l’être, de ces « étrangetés éthiques »- l’humanité de l’homme- est une rupture de l’être. Elle est signifiante, même si l’être se renoue et se reprend.


'Portrait of Naomi' Susan Scoot 2006, acrylic on paper/acrylique sur papier

Philippe Nemo- Autrui est visage : mais autrui, également, me parle, et je lui parle. Est-ce que le discours humain n’est pas aussi une façon de rompre ce que vous appelez « totalité ».?
Emmanuel Lévinas- Certainement. Visage et discours sont liés. Le visage parle, en ceci que c’est lui qui rend possible et commence tout discours. Le visage parle. J’ai refusé tout à l’heure la notion de vision pour décrire la relation authentique avec autrui : c’est le discours et, plus exactement, la réponse ou la responsabilité, qui est cette relation authentique.
Philippe Nemo- Mais puisque le relation éthique est au-delà du savoir, et que d’autre part elle est authentiquement assumée par le discours, c’est donc que le discours lui-même n’est pas quelque chose de l’ordre du savoir.
Emmanuel Lévinas- J’ai toujours distingué en effet dans le discours, le dire et le dit. Que le dire doive comporter un dit est une nécessité du même ordre que celle qui impose une société, avec des lois, des institutions et des relations sociales. Mais le dire, c’est le fait que devant le visage je ne reste pas simplement là à le contempler, je lui réponds. Le dire est une manière de saluer autrui, mais saluer autrui, c’est déjà répondre de lui. Il est difficile de se taire en présence de quelqu’un ; cette difficulté a son fondement ultime dans cette signification propre du dire, quel que soit le dit. Il faut parler de quelque chose, de la pluie et du beau temps, peu importe, mais parler, répondre à lui et déjà répondre de lui.
Philippe Nemo- Dans le visage d’autrui, il y a, dites-vous, une « élévation », une « hauteur ». Autrui est plus haut que moi. Qu’entendez-vous par là?
Emmanuel Lévinas- Le « Tu ne tueras point » est la première parole du visage. Or c’est un ordre. Il y a dans l’apparition du visage un commandement, comme si un m aître me parlait. Pourtant, en même temps, Le visage d’autrui est dénué : c’est le pauvre pour lequel je peux tout et à qui je dois tout. Et moi, qui que je sois, mais en tant que « première personne », je suis celui qui se trouve des ressources pour « répondre » à l’appel.


'Oedipe à Montréal' Michel Denée 1988, acrylic on canvas/acrylique sur canvas

Philippe Nemo- On a envie de vous dire : oui, dans certain cas… Mais dans d’autres, au contraire, la rencontre d’autrui se fait sur le mode de la violence, de la haine et du dédain.
Emmanuel Lévinas- Certes. Mais je pense que quelle que soit la motivation qui explique cette inversion, l’analyse du visage telle que je viens de la faire avec la maîtrise d’autrui et sa pauvreté, avec ma soumission et ma richesse, est première. Elle est le présupposé de toutes les relations humaines. S’il n’y avait pas cela, nous ne dirions même pas, devant une porte ouverte : « Après-vous, Monsieur ! » C’est un « Après vous Monsieur ! » originel que j’ai essayé de décrire.
Vous avez parlé de la passion de haine. Je craignais une objection beaucoup plus grave : Comment se fait-il qu’on puisse punir et réprimer ? Comment se fait-il qu’il y ait une justice ?Je réponds que c’est le fait de la multiplicité des hommes, la présence du tiers à côté d’autrui, qui conditionnent les lois et instaurent la justice. Si je suis seul avec l’autre, je lui dois tout ; mais il y a le tiers. Est-ce que je sais ce que mon prochain est par rapport au tiers? Est-ce que je sais si le tiers est en intelligence avec lui ou sa victime? Qui est mon prochain? Il faut par conséquent peser, penser, jurer, en comparant l’incomparable. La relation interpersonnelle que j’établis avec autrui, je dois l’établir aussi avec les autres hommes; il y a donc nécessité de modérer ce privilège d’autrui ; d’où la justice. Celle-ci, exercée parles institutions, qui sont inévitables, doit toujours être contrôlée par la relation interpersonnelle initiale.


From the 'Absence serie' untitled #12 Thomas Kneubühler 2003

Philippe Nemo- Voici donc, dans votre métaphysique, l’expérience cruciale ; celle qui permet de sortir de l’ontologie de Heidegger comme ontologie du Neutre, ontologie sans morale. Est-ce à partir de cette expérience éthique que vous construisez une « éthique »? Car ensuite, l’éthique est faite de règles ; il faut établir ces règles.

Emmanuel Lévinas- Ma tâche ne consiste pas à construire l’esthétique : j’essaie seulement d’en chercher le sens. Je ne crois pas en effet que toute philosophie doive être programmatique. C’est Husserl surtout qui a mis en avant l’idée d’un programme de la philosophie. On peut sans doute construire une éthique en fonction de ce que je viens de dire, mais ce n’est pas là mon thème propre.
Philippe Nemo- Pouvez-vous préciser en quoi cette découverte de l’éthique dans le visage rompt avec les philosophies de la totalité?
Emmanuel Lévinas- Le savoir absolu, tel qu’il a été recherché, promis ou recommandé par la philosophie, est une pensée de l’Égal. Dans la vérité, l’être est embarrassé. Même si la vérité est considérée comme jamais définitive, il y a promesse d’une vérité plus complète et adéquate. Sans doute l’être fini que nous sommes ne peut pas, en fin de compte, achever la tâche du savoir : mais dans la limite où cette tâche est accomplie, elle consiste à faire que l’Autre devienne le Même. En revanche, l’idée de l’infini implique une pensée de l’Inégal. Je pars de l’idée cartésienne de l’infini, où l’ideatum de cette idée, c’est-à-dire ce que cette idée vise, est infiniment plus grand que l’acte même par lequel on le pense. Il y a disproportion entre l’acte et ce à quoi l’acte fait accéder. Pour Descartes, c’est là une des preuves de l’existence de Dieu : la pensée n’a pas pu produire quelque chose qui la dépasse ; il fallait que cette chose dût mise en nous. Il faut donc admettre un Dieu infini qui a mis en nous l’idée de l’infini. Mais ce n’est pas la preuve recherchée par Descartes qui m’intéresse ici. Je réfléchis ici dans l’étonnement à cette disproportion entre ce qu’il appelle la « réalité objective » et la « réalité formelle » de l’idée de Dieu, au paradoxe même-si anti-grec- d’une idée « mise » en moi, alors que Socrate nous a appris qu’il est impossible de mettre une idée dans une pensée sans l’y avoir déjà trouvée.,
Or dans le visage, tel que j’en décris l’approche, se produit le même dépassement de l’acte par ce à quoi il mène. Dans l’accès au visage, il y a certainement aussi un accès à l’idée de Dieu. Chez Descartes l’idée de l’Infini n’est pas un savoir, mais un Désir. J’ai essayé de décrire la différence du Désir et du besoin par le fait que le Désir ne peut être satisfait; que le Désir, en quelque manière, se nourrit de ses propres faims et s’augmente de sa satisfaction; que le Désir est comme une pensée qui pense plus qu’elle ne pense, ou plus que ce qu’elle pense. Structure paradoxale sans doute, mais qui ne l’est pas plus que cette présence de l’Infini dans un acte fini.


'Revers' 2007 Sylvie Bouchard, huile sur papier marouflé sur toile

PARADOXAL

Richard Lanctôt 'Préhension VI' 2006 acrylique sur toile


Louis Joncas 'Xango-initiation', 1995. Épreuve chromogène/C-Print 40"x50"



Robert Walker 'Toronto' 1977 46"x33.5" (edition 3/3)



Robert Walker 2006 'Floragrafica Series'





Jan Andriesse (Installation) 1998


Jan Andriesse/Robert Walker



Reuel Dechene interesting, and 'paradoxically' beautiful 'Hubcaps' series 2006. Les 'paradoxalement' belles sculptures de Reuel Dechene. 'Caps' de roues, lumières LED,programmés.
2006

Art Basel Miami & NADA (New Art Dealers Association)




Art Basel Positions courtesy MCH Swiss exhibition (Basel Zurich) AG


A stand at NADA (New Arts Dealers Association)


A stainless steel coated bus next to the Beach at 'Positions'

At 'Positions', Galleries are given a container to show some work. 'Positions' les galeries participantes ont chacune un 'container' pour s'exprimer.

A container designed by Architect Zaha Hadid at Schachter Gallery London At 'Positions'




A sculpture by Anish Kapoor


Kenny Scharf's decorated car at the famous Art-Deco hotel : "The Raleigh"







Works by Picabia


Jack Pierson at Aurel Scheibler now in Berlin



Part of the stand of Cheim & Reid Gallery NYC
Kendell Geers from Belgium

Adrian Göllner: 'Volume, Volume, Volume'
8 Novembre – 3 Décembre 2006



Projex-Mtl Galerie est heureuse de présenter une exposition de nouvelles sculptures murales et d’œuvres sur papier de l’artiste Adrian Göllner s’intitulant « Volume Volume Volume ». Cette exposition solo sera la première à Montréal de cet artiste basé à Ottawa.
L’art de Göllner a été décrit comme un art de satire. En combinant une variété de différentes approches et techniques pouvant s’adapter aux environnements dans lesquels ils sont présentés, Göllner utilise différents médiums et des sources variées pour réaliser son œuvre. La série de cartes de jeu inspirée d’images de la guerre froide en est un exemple. En utilisant des références inspirées du modernisme, il parvient à questionner par la même occasion la culture de la société de consommation.
« Mon intention est de satiriser, mais je le fais d’une façon détournée. En émulant des styles graphiques et en employant des techniques de production industrielle, je réussi à créer des objets qui tentent de déjouer une interprétation simpliste de l’œuvre d’art. Les résultats sont légèrement subversifs.
La série qui sera présentée à la galerie sont à la limite de l’art et du design. La précision industrielle avec laquelle les œuvres de métal sont coupées, la finition texturée et la complexité des formes fabriquées évoquent les formes retrouvées dans l’architecture urbaine. Quand l’on découvre que ces formes sont en fait des traductions en langage morse et que les phrases sont les mantras du commerce : ‘Location, Location, Location’; ‘Volume, Volume, Volume’; ‘Win, Win’; (‘Gagnez, Gagnez’); l’interprétation des œuvres prends une toute autre dimension.
La série Ikea imprimable poursuit dans le même ton. Ces œuvres inspirées de pièces de design popularisées par la multinationale deviennent leur tour%

Lawrence Beck Sonnabend Gallery February 24 2007

"THICKETS" Lawrence Beck
4 Octobre-5 Novembre 2006















Le texte de René Viau collaborateur au journal LE DEVOIR à propos de l'exposition "THICKETS" de Lawrence Beck


"PROMENADE ENTRE LES BRANCHES"



Il était une fois, dans les environs de New York, un photographe arpentant l'automne des terrains en friche plantés d'arbres. Dans ses prises de vue, le photographe Lawrence Beck nous emmène avec lui en promenade à destination de ces entre-lieux à la lisière de l'urbain. Faisant référence à des groupes de buissons serrés et touffus, le titre de l'exposition, Thickets, traduit bien l'épaisseur de ces entrelacs, de ces boucles que constitue le réseau serré des branchages s'accrochant aux arbres en les parasitant.

Traitant ce sujet par une série de photographies, le plus souvent verticales et de format à peu près identique, Beck a produit ces tirages en noir et blanc qui étonnent par leurs tonalités si nettes au sélénium et la qualité des gris et des noirs. Chaque photo a pour titre un chiffre romain.

Le résultat de toutes ces battures à travers les fourrés, objectif en bandoulière, apparaît au départ ultra-classique. Les centaines de branches en tous sens évoquent un foisonnement organique. L'absence de feuilles, toutefois, privilégie les curvilignes sèches des branches en méandres qui s'allongent selon une linéarité imprévisible. Séduits par la qualité plastique de ces tracés, suivant ces déroulements et les tournoiements tordus de ces futaies, on se sent vite aspirés dans une curieuse dynamique «boomerang».

Peu à peu, nous voici happés par les qualités graphiques de ce qui nous apparaît comme les mailles d'un réseau pictural. Ces ramures, ces sarments, ces lianes qui se percutent en enveloppant le fond de ciel finissent par apparaître comme autant de coups de pinceau sinueux et dégoulinant sur une toile, si bizarrement proches des drippings expressionnistes. À contre-cliché, ces tirages traditionnels transportent ainsi avec fougue un mouvement, comme un avant-goût de peinture abstraite et gestuelle. Loin des parcs nationaux qui se veulent autant de sanctuaires protégés, Lawrence Beck, notamment par cette référence «cultivée» à la peinture, propose en même temps une vision esthétisée de ces zones en jachère, sauvages et quasi à l'abandon mais voisines pourtant d'une mégapole comme New York.

René Viau

"PRIVATE PROPERTY/PROPRIÉTÉ PRIVÉE" 6 septembre-1 octobre 2006

"PRIVATE PROPERTY/PROPRIÉTÉ PRIVÉE" 6 septembre-1 octobre 2006
Thomas Kneubühler












Thomas Kneubühler : Private Property/Propriété privée' Publié par Les éditions Dazibao. www.dazibao-photo.org

Some new works by Peter Schuyff, now living in Amsterdam.

'LUCKY NUMBERS' Jules De Niverville

Carl Ostendarp 'Pieds et Mains juin-juillet 2006

Un texte de René Viau sur le travail de Carl Ostendarp, collaborateur
au journal Le Devoir édition du 24 juin 2006

A text by René Viau collaborator to the Montréal paper Le Devoir on Carl Ostendarp

PIEDS ET MAINS

Changement total de programme. À ces témoignages de solitude dans la foule, à cette dénonciation d'une urbanité déshumanisante chez Samuel Roy-Bois succède, loin des zones grises, l'iconologie heureuse de Carl Ostendarp. Sous des dehors pop et enjoués, cet artiste de New York glorifie le couple, la famille, l'amour heureux !

Ostendarp le fait en conjuguant poésie et sensualité. Hauts en couleur, ses ingrédients animent joyeusement, comme autant de petites fêtes, votre oeil ravi. Ici, contrairement à ce que de nombreux artistes se sont évertués à prêcher, le sexe n'est pas forcément vécu comme une exploitation. L'enfance n'est pas forcément le terrain d'une répression, l'adolescence, d'une rébellion à coups de tags. La vision du monde adulte qui nous est proposée ne se conjugue pas avec la mesure d'une aliénation incommensurable alors que l'art, selon de vieux réflexes puritains, se doit de ne pas être trop séduisant. Le plaisir qu'il vous procurerait alors, en un hédonisme petit-bourgeois suspect, risquerait d'éloigner le regardeur -- ainsi conforté dans sa vision manichéenne -- de la mission moralisatrice de l'artiste, celle de lancer à la cantonade ses quatre vérités à un monde cruel où règne l'iniquité !

Bien sûr, je charrie ! Il est vrai cependant que les acryliques et les gouaches toutes simples d'Ostendarp transportent avec elles un vent de fraîcheur. S'éloignant du courant «politiquement correct» que l'on nous ressert depuis une quinzaine d'années, l'attitude générale y serait, non plus d'observer ou de critiquer le monde, mais d'être de ce monde en magnifiant certains de ces éléments rassembleurs. Ici, l'aspect social peut être facilement interprété de façon positive par tous et chacun. Ces images se font points de ralliement. Elles nous rappellent des joies ressenties par tous, comme celle de voir grandir ses enfants. Ces aplats aux couleurs vives, mauves, oranges, jades, azur et pastels représentent des mains. Parfois, les doigts de ces mains exhibent des anneaux comme signe d'union conjugale. On trouve souvent sur une même toile de grandes et de petites mains, suggérant qu'il pourrait s'agir de parents et d'enfants. Dans leur forme, ces images s'inspirent tout aussi bien de Matisse que du pop des années 60, de Miro que du minimalisme, et bien sûr de la bédé, tout en faisant un pied de nez à certaines conventions ou certaines «critiques» véhiculées par l'art contemporain.

D'autres tableaux représentent des pieds. Plus olé ! olé !, ils évoquent le désir charnel. Pieds arqués, tordus, ou épanouis, les orteils dressés en éventail, dans la jouissance. Schématisés, croisés mais tracés à l'horizontale, ces couples de pieds rappellent parfois ironiquement le fameux pictogramme «J'aime ma femme» sur les plaques de voitures de la fin des années 70. Réducteur, ce rapprochement indique pourtant que la peinture selon Ostendarp ne se prend pas trop la tête en tentant de nous transmettre un énoncé accusateur. Au contraire. Amusants, à la fois ouverts mais un peu mystérieux, ces éclats bon enfant ne sont là que pour nous réjouir.

Exposant régulièrement à Paris, à New York et ailleurs, Carl Ostendarp est représenté dans les collections d'une dizaine de musées américains, dont le Whitney. Pour la jeune galerie Projex, associée lors de cette activité avec la galerie Elizabeth Dee de New York, l'exposition est de bon augure.

'Au-tour de la géométrie' avril-mai 2006

Yves Bouliane '4 Patron Bien Découpés + Dessins Échelonnés' mars-avril 2006

La table a été réalisée, et fabriquée par Anne-Marie Bouliane, architecte. The table has been designed and fabricated by Anne-Marie Bouliane, architect.

'Paysages X3' Lawrence Beck, Claude-Philippe Benoît, Martin Schop

'Perspectives #2' (vues/views)

some New-York City Galleries

A few highlights from a visit in galleries in New York City.

David Kramer's fun and 'sardonic'paintings at Feigen Contemporay, W 20th Street.

An exhibition around the game of chess at Lurhing Augustine.
This is the piece by the Chapman Brothers from the UK.(So good...!)



The cool set Damien Hirst came up with.!


Mauricio Catalan's version of the game

Parallels: Toronto Hair show (Fair?) vs Art Fair. You had to go through this 'Gursky' like, real life event to get to the 2005 Toronto Internatinal Art Fair. (Sort of fun.!)